SHUTTER ISLAND.

Buena Luna Criaturas.

Muchas veces me he preguntado que es la realidad y hasta que punto toda nuestra educación y las limitaciones de nuestros sentidos, nos sumergen de lleno en algo artificial a lo que llamamos mundo real, pero que realmente no es mas que un consenso social de milenios de duración sobre lo que es y no es. ¿Porque el rojo es rojo y no es realmente azul? o ¿porqué el pollo sabe a pollo y la vainilla a vainilla?

No os preocupéis, no hemos cambiado el hilo central del blog y voy a empezar a divagar entre la realidad o la sombra proyectada en la caverna, pero este juego de realidad y fantasía es el hilo central de la última película de Scorsese, con la aparición ineludible de su actor fetiche Leonardo di Caprio "Shutter Island".

SINOPSIS:

Verano de 1954. Los agentes federales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son destinados a una remota isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina (Emily Mortimer) recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el siniestro doctor John Cawley (Ben Kingsley). Pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos, y que la isla esconde algo más peligroso que los pacientes...

Hace tiempo ya que dura la relación idílica que viven Di Caprio y Scorsese y desde "Gangs of NewYork" lo cierto es que el veterano director ha conseguido sumar a su ya prolífica y brillante carrera, la aportación de uno de los futurables guaperas del cine de los noventa, que a diferencia de lo que ha sucedido con el mediático Brad Pitt, ha pasado de futurible póster de habitación de adolescentes a actor consagrado en toda regla. También se ha de decir, que la evolución física de Leonardo, lo apartó pronto de las imaginaciones calenturientas de las jovencitas y él ha sido lo suficientemente inteligente para reinventarse.

Colaboraciones a parte, he de decir que, como la mayoría de veces, he ido a ver la película sin apenas información previa y abierto de mente. Después de los primeros compases, lo que me sorprendido gratamente es la imagen creada, con tonos pastel, ocres, marrones y grisáceos que me recordaron mucho las sensaciones de las novelas oscurantistas de H.P.Lovecraft, aunque aquí en lugar de los años veinte, nos encontramos en plena post guerra de los cincuenta.

La imagen de los dos inspectores judiciales, al mas puro estilo novela negra, con antihéore atormentado y todo, hacen que en seguida te sientas a gusto y empieces a disfrutar de la buena trama. El guión adaptado por Laeta Kalogridis, nos lleva por la historia adaptada de la novela escrita por Denis Lehane. Una trama densa, desconcertante y en algún pequeño momento farragosa, se desenvuelve bien en el ambiente aislado y tétrico de la institución psiquiátrico penitenciaria donde se desarrolla. Una vez mas, los recuerdos de los investigadores de los seres ancestrales primigenios venidos del espacio de las novelas del adicto al LSD Lovecraft, asaltan mis recuerdos para inquietarme por el hermetismo y oscurantismo que rodea la desaparición de la reclusa investigada.

Si el guión es bueno y la ambientación inmejorable, que decir de la buena interpretación de todos los personajes... desde el protagonista a los coristas, pasando por un genial, como siempre, Ben Kingsley en el papel de director médico del centro.

Suciedad, oscurantismo, desesperación y el juego perfecto entre la realidad, la enfermedad mental y lo que es y deja de ser, nos lleva de la mano por un terrible paseo en caída libre dentro de las mentes mas oscura y perturbadas.

Sin querer desvelar nada sobre el desenlace genial y la reconstrucción final de la trama que da razón de ser a toda la película, destacar el buen gusto y lo bien llevada que esta la parte final, donde en lugar del esperado ¡Tachan! con traca final y sonrisas de los productores diciendo: ¿a que no esperabais este giro? Todo es llevado de manera sutil, pausada y sin estridencias lo que nos ofrece una película al mejor nivel de Martin Scorsese.

Lo mejor: El desenlace final, sin duda.

Lo peor: Momentos centrales algo largos y enrevesados.

Dándole vueltas de Frederik Peeters

“Dándole vueltas”

Peeters, Frederik

Astiberri

ISBN: 978-84-92769-01-8

“Dándole vueltas recoge un total de veintiséis historias, algunas coloreadas para la ocasión, que Frederik Peeters ha gestado a lo largo de una década en diferentes publicaciones, principalmente Bile Noire. A lo largo de sus páginas reconocemos al creador que, a fuerza de experimentar, no ha dejado de crecer. Juega con los códigos gráficos, cambia los puntos de vista, sus personajes pueden sufrir tanto de incontinencia verbal como mostrarse totalmente mudos… Se las ve con un macabro artista de las cavernas, con un asesino a sueldo filósofo, con sus compatriotas suizos, tan queridos como despellejados…, e incluso con Orson Welles.

Peeters cultiva el eclecticismo. Y lo hace con sus armas favoritas: el cinismo, el humor negro y un punto de vista bastante hedonista al retratar esos instantes que iluminan el día con un cierto placer. El candor y la inocencia para enfrentarse a la implacable realidad de la vida”.

De esta manera tan iluminadora Astiberri nos presenta “Dándole vueltas”, un volumen recopilatorio de historias cortas creadas entre 1998 y 2005 por Frederik Peeters.

Las narraciones de este volumen nos permiten recrear a través de una sensibilidad única, su honestidad conmovedora y no por eso exenta de humor negro. Son relatos en los que conviven las miserias humanas en todo su esplendor con la mirada lúcida de los niños y los perros. Un universo construido a base de sutiles detalles en el que, definitivamente, tener corazón es una putada.

La explicación de porqué las narraciones no han sido retocadas nos la ofrece el propio Peeters con la autenticidad característica de su voz.

“Seamos francos. Hubiera podido retocar algunas historias que me parecen anticuadas o hacer una selección más drástica. Pero me acordé de mi abuelo, que siempre me decía que cuando se hace algo, o se hace hasta el final o mejor no se hace. Por cierto, como ejemplo de ello, mi abuelo terminó suicidándose. A lo que íbamos, es como la historia de la silla coja. Se empieza por serrar un poco un pie, luego otro poco de otro y al final, nos encontramos con el culo en el suelo. Así que decidió dejaros mi silla tal cual era, un poco descuajaringada, es verdad, pero con las patas originales. Siempre hará feliz a algún que otro anticuario escrupuloso. Sin olvidar que aun así, se han restaurado algunos colores en cuatricromía. Las bicromías originales ya no estaban técnicamente presentables.”

En Dándole vueltas encontramos relatos de personajes desubicados en diferentes épocas de la historia. La evocación del pasado como evasión. Seres en los márgenes de la existencia, perdidos en islas, recorriendo ciudades, recordando guerras. Miradas que nos abren el corazón y nos obligan a abrazarlas sin reservas, como ocurre con la del perro protagonista de “El país de la felicidad”, la historieta que más me ha gustado de este volumen.

Tenemos en las manos un cómic que funciona en dos sentidos, ya que tanto puede leerse como un viaje a los inicios creativos del autor, como una avanzadilla de lo que, tal vez, nos reserve en un futuro. Porque desde los trazos más duros en blanco y negro del principio hasta las piezas finales a color, en estas historietas encontramos las semillas que anticipan sus futuras creaciones. Éste es un recorrido en el que Frederik Peeters se revela como un autor que juega con todo haciendo disfrutar de lo lindo a sus lectores.

En fin, un cómic para ser leído del derecho y del revés, así como descubrir a un auténtico creador sin límites de ningún tipo.

Aclarando puntos de "La Cuarta Fase".

Buena Luna Criaturas.

Hace algunos días ya comentamos el estreno inquietante de "La Cuarta Fase", donde un montaje del director en el que combinaba imagen real de unos supuestos casos ocurridos en Alaska, los interpretaban los actores de la película.

Después de varias angustiantes noches en las que esperaba la visita de los extraterrestres de dormitorio, vi por casualidad un reportaje emitido por la cadena española Cuatro en su programa "Cuarto Milenio" dirigido por Iker Jimenez. Aunque soy muy escéptico con la mayoría de los temas tratados en este tipo de programas, he de reconocer que Iker lo hace siempre desde un punto poco apasionado y intentando ser lo mas distante e imparcial posible.

Aquí nos explican las bases reales de la película en cuestión y aclararon bastante muchos de los interrogantes que yo dejé colgados en mi post sobre la película.

En el link que hay a continuación a partir del minuto 21, tenéis un interesante review sobre lo que se habla en la película.

http://play.cuatro.com/on-line/#/cuarto-milenio/ver/la-cuarta-fase

No hay bestia tan feroz. Edward Bunker.

No hay bestia tan feroz

Edward Bunker
Sajalín Editores




Max Dembo lo tiene todo para ser un delincuente temible, es listo, perspicaz y valiente, tiene un pasado, tiene armas y un odio atroz que le fulmina el miedo, pero sobre todo, tiene un nombre, Max Dembo. Siempre he pensado que uno de los momentos más agradecidos para el escritor de novela negra es cuando tiene que escoger el nombre de sus personajes. Max Dembo es un nombre genial, nadie con un nombre cargado de esa sonoridad podría hacer otra cosa que reventar bancos y huir de la persecución policial en un Cadillac trucado. Vive rápido y muere joven, ya conocéis la historia.
Edward Bunker también es otro nombre impresionante. Edward es moneda corriente en todas las lenguas europeas desde tiempos inmemoriales, tiene una sonoridad vulgar y no le sobra carisma, sin embargo, el diminutivo ya es otro cantar, Eddie. Además, parece que el apodo le viene de seguido; algo del estilo de Eddie “Scarface” o Eddie “lo que fuere” se aviene de maravilla con el ambiente carcelario. Quién no se pondría en guardia al ser presentado ante alguien con semejante nombre. A la vez, el tono se redondea con el extraordinario apellido, Bunker, que suena igual que el disparo de un arma de gran calibre. Veamos:
En mitad de la noche un leve crujido del parqué lo despierta, alarga la mano y, a tientas, acciona el interruptor de la lamparita de noche. En la fatigosa consciencia de la duermevela percibe una alargada figura acercándose,
- ¿Eddie? ¿eres tú?
- ¡Ban-ker! ¡Ban-ker!, estás muerto.
No hay bestia tan feroz es el primer libro que se publica en España de Edward Bunker (1933-2005), y lo hace, 36 años después de su publicación en EUA (1973), la jovencísima editorial barcelonesa Sajalín Editores (que ya ha sacado al mercado una nueva narración del mismo autor, Stark).
Tan pronto te haces con el volumen y ojeas la contraportada, la granítica mirada de Bunker te traspasa dejándote desarmado y adviertes inmediatamente que la conexión entre el autor y su bestia no es otra que la autobiográfica, Edward Bunker es Max Dembo. La vida de E. Bunker es materia literaria de primer orden, materia para una buena novela negra, claro, -a buen seguro que Tarantino ya ha adquirido los derechos de autor para el cine de su autobiografía, Memoirs of a renegade (todavía no en castellano)-. Un breve repaso a su vida sería el siguiente.
Tras la disolución de su desestructurada familia no hubo reformatorio capaz de contener el afán de libertad del joven Bunker, que se metió en atracos, drogas, palizas y toda suerte de delitos al alcance de un joven en la California de los años 60-70, la época de los hippies y los alucinógenos. Un carrusel de experiencias fuera de la ley que lo destinó a patear los patios de un buen número de prisiones –consiguiendo el dudoso honor de ser el reo más joven encarcelado en San Quintín-. A la edad de 42 años ya había pasado 18 en prisión y su vida se precipitaba sin remedio a una prematura muerte de la que se escabulló milagrosamente por mor de su voraz pasión lectora y de la fortuita ventura: Louise Wallis, la estrella de Hollywood retirada y esposa del afamado productor de Casablanca, dedicada ahora a reformar jóvenes delincuentes, tomó bajo su amparo a un violento reo de 27 años llamado Edward Bunker. La subscripción al New York Time Books Review, regalo de L. Wallis, un curso universitario por correspondencia, miles de lecturas y seis tentativas fallidas de novela, obraron el resto del milagro. Tras la muerte de su mentora en 1962, E. Bunker cayó en el desamparo y tonteó con la delincuencia de nuevo, pero afortunadamente la semilla de Louise Wallis ya había anidado en él y no tardó en reformarse. Publicó seis novelas en vida, además de sus memorias, y participó como actor en más de una veintena de películas, entre las que se cuentan The running man (1987) y Reservoir dogs (1991) (Tarantino nunca ha desaprovechado la ocasión de manifestar públicamente su admirada adhesión). Edward Bunker es ya hoy un referente de la novela negra y cosecha un merecido prestigio que es el orgullo del gremio.
Estas notas biográficas conforman la estrategia que he tomado para contaros el contenido del libro sin mencionar ni una línea del argumento. No hay bestia tan feroz es, sin repetirla, la vida de Bunker contada en primera persona por Max Dembo, otro delincuente de los años 70 en Los Ángeles. En No hay bestia tan feroz encontraremos atracos, palizas, huídas, coches robados, planes fallidos, putas, polis y yonkis, toda la panoplia de mejor cine policíaco de la época. Pero también amor y pasión, y, principalmente, el relato del día a día de los desheredados en los bajos fondos americanos, su desesperada lucha por la supervivencia. Aquí es donde despunta el principal valor añadido de E. Bunker, un valor único e inapreciable en la narrativa de novela negra, la sinceridad de una voz que habla desde la experiencia vivida intensamente. Nadie como él para imprimir veracidad en la perspectiva del delincuente. Y de qué manera, sus delincuentes son personajes llenos de una densidad humana a prueba de la mejor narrativa moderna americana; en el terreno de la creación de personajes, encuentro preceptiva la comparación con Ford, Auster o Roth, sobre todo en su núcleo duro, el plano moral (Bunker sabe mantenerse distante y nunca prejuzga a sus personajes, éstos hablan por sí mismos, y tienen una autenticidad irrebatible). Por lo demás, su narrativa es tan sincera como efectiva: sientes en tu propia piel el terror suicida de la persecución, la adrenalina del atraco, el razonamiento embotado por el exceso de anfetaminas y noches sin dormir, y la desesperación del camino sin salida que es una vida donde el presente es el horizonte más ambicioso.
John Connolly, Fred Vargas o Stieg Larsson nos ofrecen diferentes perspectivas del detective, valiosos matices de un mismo patrón, pero si queréis de verdad una aproximación radicalmente auténtica, si buscáis compartir la verdad con sus protagonistas, daos un paseo por la obra de Edward Bunker. Impresionante.

Nota: es Mr. Blue en Reservoir dogs, el que está más la derecha en la fotografía que os adjunto -el que parece mirarse los zapatos, vamos-.

EL PADRASTRO.

Buena Luna.

Hacia tiempo que no llegaba hasta nuestras pantallas un remake de alguna película de éxito de la época dorada del cine de terror, pero con "El padrastro", esta buena racha llega a su fin.

SINOPSIS:

Michael Harding (Penn Badgley) regresa a casa de la escuela militar para encontrar a su madre (Seal Ward) felizmente enamorada y viviendo con su nuevo novio, David (Dylan Walsh). A medida que los dos hombres van conociéndose el uno al otro, Michael sospecha más y más del hombre que siempre está allí para ayudar. ¿Es realmente el hombre perfecto para su madre o podría David estar escondiendo un lado oscuro?

Esta película esta basada en la ya considerada obra de culto de 1987 "El padrastro" del director Joseph Ruben ("Solo ante la ley", "Misteriosa obsesión", "El buen hijo"...) y que se encarga de re-adaptar a los tiempos que vivimos el director Nelson McCormick. Parecía que la adaptación tendría gancho por la dilatada experiencia en series de Tv de éxito como "E.R" (Urgéncias) y "Prision Break" que tenia el director, pero nada mas lejos de la realidad.

El guión es calcado a la primera realización ochentera y aunque aquí se cambian nombres, vestuarios y atrezzo, todo continua rezumando un tufillo ochentero, que aunque podría ser agradable como ha pasado en otras ocasiones, aquí despierta nuestros terrores mas ocultos recordando gran cantidad de bodrios que se realizaron en esa época.

Aquí se intenta volver a la gran mina ideológica que fueron los serial killer y que tanto juego han dado en el cine, pero así como en otras adaptaciones y nuevos títulos, se ha llevado con gracia e incluyendo puntos novedosos, (claro ejemplo es la saga "SAW" y rebuscando en los archivos una casi desconocida "Mr Brooks" con un excelente Kevin Costner) aquí se cae en el topicazo, no como legado o tributo, sino como simple ejercicio de vagancia extrema para una recolecta entre espectadores incautos.

Simplemente correcta a nivel visual y con unas actuaciones mas que corrientes, toda la trama, previsible donde las haya, pasa de largo cual agradable tele film de sábado a mediodía. Reiterativa, poco imaginativa, recauchutadamente sobresabida y carente de atractivo, no aporta nada a la primera versión y mucho menos al panorama del cine de terror actual, en lo que ya esta inventado aburre y las novedades se miran con lupa.

Simplemente una película para pasar el rato, aburriéndote y sabiendo en todo momento lo que va a ocurrir en cada plano y para colmo con un final abierto que espero que no de como resultado, como lo hizo en los ochenta, un "Padrastro 2".

Lo mejor: El regusto a la época dorada del cine de terror.

Lo peor: La nula novedad y malgasto de metros de película para un remake innecesario.

LA CARRETERA.

Buena Luna Criaturas.

Hace tiempo que pudimos ver en Sitges que tantos de nosotros llevamos mucho tiempo esperando: "The Road". Acudió a la gala en el Auditori levantando pasiones, un sencillo y simpático Viggo Mortensen, para presentar su última película y para recoger el Premio Honorífico de esta pasada edición. Recordaros que hace mucho ya que el Almirante nos abrió los ojos a esta pequeña joya de la literatura de terror, llevada ahora a la gran pantalla, con su post que desde aquí podéis volver a disfrutar o descubrirlo si no lo habéis leído

El director John Hillcoat, se encarga de hacer la adaptación para la gran pantalla del Premio Pulitzer de Cormac McCarthy. Nacido en Brisbane, estudió cine en el Swinburne Film School de Brisbane. Allí dirigió sus primeros cortometrajes. Debuta con Ghosts… of the Civil Dead (88). Tras dirigir algunos videoclips, une sus fuerzas a las de Nick Cave (como guionista) en The Proposition.

SINOPSIS:

En un futuro quizá no lejano, en un sombrío mundo post-apocalíptico, un padre (Viggo Mortensen) trata de poner en lugar seguro a su hijo (Kodi Smit-McPhee). El planeta ha sido arrasado por un misterioso cataclismo, y en medio de la desolación un padre y su hijo viajan hacia la costa para buscar un lugar seguro donde asentarse. Durante su travesía se cruzarán con los pocos seres humanos que quedan, los cuales o bien se han vuelto locos, o se han convertido en caníbales...

La primera duda que asaltó mi mente cuando supe hace tiempo de la adaptación de la terrorífica novela de McCarthy, fue la de si la gran pantalla sabría plasmar con fiabilidad una novela tan dura, pero sencilla y poco espectacular a la vez.

Una vez vista la adaptación que ha hecho Hillcoat, he de decir que creo que esta es una de las adaptaciones mas fiables y mas magníficas que he visto nunca. Era difícil transmitir esa sensación descorazonadora del fin real de los días, no de un aparatoso escenario americano, donde al final todo sale bien.

Sin desvelar los motivos del cataclismo y con unas localizaciones que incluían zonas de New Orleans asoladas por el Katrina, la sensación transmitida es muy similar a la del libro. Quizás menos angustiante, pero puede ser debido a la intimidad que da la lectura, comparado con el visionado de una película con otras mil trescientas personas mas.

En cuanto al reparto no se puede objetar nada, Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Guy Pearce, Robert Duvall, genios reconocidos pero con el claro protagonismo de Viggo, que aunque conservando esa ajada voz horriblemente exagerada en "Alatriste", hace uno de sus mejores papeles. Tremendamente real, difícil y con la capacidad de llenar la pantalla él y en compañía de un joven actor con magnifico registro como es Kodi Smit-McPhee.

Muy bien filmada, con una fotografía genial, muy acorde con la sensación gris que transmite el libro en todo momento y con la banda sonora adecuada para tal historia, creo que es una película redonda, completa, de esas que dejarán huella en la historia del cine.

Por último y por deformación profesional, destacar la grandiosa caracterización del difunto que aparece en el film. Debido a mi profesión he podido ver muchas veces gente muerta y he de decir que esta es la primera vez que en el cine se ha llegado a igualar el terrible aspecto de un difunto real: nariz aguileña, ojos, boca, color, terriblemente perfecto.

Lo mejor: La actuación de Viggo Mortensen y la adaptación de la novela.

Lo peor: Algo lenta a momentos, aunque necesarios, pero algo se ha de decir.

Burton por Burton- Prólogo de Johnny Depp, de Mark Salisbury

BURTON por BURTON.

Edición de Mark Salisbury.
Prólogo de Johnny Depp.
Edición ampliada y actualizada.
Angle Editorial, 2009.
ISBN: 978-84-96970-49-6.

El universo Burton es un océano profundo en el que hay que sumergirse. Es otro mundo, con otra luz, con otras reglas, lleno de detalles que dan sentido a la totalidad. Y ahí estás disfrutando de la intensa vida de los muertos, de amores de ultratumba, de sorpresas funestas, cuando te preguntas cómo empezó todo. Y entonces por arte de birlibirloque aparece “Burton por Burton”, con prólogo de su amigo Johnny Depp que además de estar como un queso, es un auténtico icono underground.

¿Qué más se le puede pedir a un libro sobre Tim Burton?

En palabras de Johnny Depp,

“Para mi es un auténtico genio y, creedme, no utilizaría este calificativo con mucha gente. Lo que hace él no se puede etiquetar (…) Tiene un don muy especial que no se encuentra cada día. No se le puede considerar un simple director de cine. Resulta más adecuado el título, tan escaso de “genio”, y no sólo por sus películas, sino también por los dibujos, fotografías, ideas, por su agudeza y por su imaginación.”

“Burton por Burton” nos explica como empezó todo, desde el principio. Aporta nueva luz a ese universo cautivador y mágico. Se detiene detalladamente en cada una de sus obras explicando las anécdotas, el antes y el después, analizando el acto creativo.

Después de los agradecimientos, el prólogo de Johnny Depp y la introducción de Mark Salisbury, comenzamos el recorrido por su infancia en Burbank y a continuación nos explica su experiencia en Disney y cómo nació “Vincent”.

Rememorando esa etapa, Burton nos habla sobre los modelos impuestos por la sociedad y los impulsos reprimidos.

“Recuerdo que un día me sentí completamente frustrado, porque me encanta dibujar pero en realidad no se me da demasiado bien. Un día alguna cosa hizo clic dentro de mi cerebro. Estaba preparando unos bocetos y pensé - A la mierda, me da igual si sé dibujar o no. Me gusta y punto – Juro por Dios que de un segundo a otro experimenté una sensación de libertad que no había sentido nunca anteriormente.”

A los que nos gusta que nos cuenten cómo nace una idea, cómo se gesta un proyecto, esta parte del libro nos muestra que de lo malo siempre se aprende. Nos enseña lo transformadores que pueden ser los baches de la vida, la importancia de la amistad, la coherencia de una vida apasionada, el valor de mantener la fe en lo que uno hace.
La importancia de encontrar el sentido, de conseguir la capacidad de comunicar. Es un gran mensaje, la verdad.

A continuación, de su mano recorremos “Hansel y Gretel” “Frankenweenie, “La lámpara de Aladino”, “La gran aventura de Pee-Wee” “Beetlejuice” y “Eduardo Manostijeras”.

Aquí aparece el tema de la soledad, de la conexión con el entorno y también nos presenta el tema de la libertad bajo los disfraces.

“Crecí con películas de Lon Chaney y Boris Karloff. Estos tipos tenían una libertad especial, aunque mucha gente crea que no se les ve por culpa de la cantidad de maquillaje que llevan, cosa que me parece una tontería. He descubierto que cuando maquillas a un actor, en realidad le estás liberando. Se pueden esconder detrás de una máscara y mostrar otra cara de ellos mismos, y eso es genial.”

Poco a poco llegamos a “Batman vuelve” “Pesadilla antes de Navidad” “Cabin boy” y “Ed wood”. Seguidos de “James y el melocotón gigante” “Mars attacks!” “Superman lives” “La melancólica muerte del chico ostra” “Sleepey Hollow” y “El planeta de los simios”, capítulo especialmente interesante para quien quiera saber los motivos que llevan a producir un remake sin tener acabado el guión.

Finalmente la obra repasa “Big Fish” “Charlie y la fábrica de chocolate” “La novia cadáver” y “Sweeney Todd”.

El recorrido por la filmografía Burtoniana no sólo sirve para tratar el tema del arte en el cine. También nos habla sobre la dualidad y sobre el rechazo de la realidad. Además de mostrarnos “esas cosas” que se hacen para sobrellevar la existencia y enseñarnos a dar la vuelta a ciertos estereotipos expresivos.

El libro, repleto de fotografías y dibujos originales del director, es una delicia concebida para ser leída de un tirón. Imprescindible para amantes del cine, del arte y por supuesto de Tim Burton.

LA CUARTA FASE.

Buena Luna Criaturas.

Hace tiempo que esperaba con susceptible impaciencia el estreno de "La cuarta fase", un experimento visual del desconocido director Olatunde Osunsanmi en el que se combinan fragmentos de grabaciones reales, con escenificaciones de los actores de los supuestos hechos que ocurrieron en un pequeño pueblo de Alaska.

SINOPSIS:

The 4th Kind es un thriller ambientado en Alaska en el que una mujer investigará una serie de misteriosas desapariciones ocurridas en el lugar durante los últimos 40 años.

No es de extrañar que a muchos de los que nos consideramos aficionados al cine fantástico y de terror, también nos interese o llame la atención, lo que podría traer una parte de esas fantasías de celuloide a la vida real. Con esa baza se juega en esta película, donde basándose en la reconstrucción de una "supuesta" sucesión de casos extraños en Nomen (Alaska) en 2002, nos llevan de la mano de una psicóloga, encarnada en la interpretación actoral por Milla Jovovich, por el estudio de unos caso curiosos de insomnio.

El planteamiento inicial, sin entrar en la credibilidad de los hechos explicados, es bastante novedoso y se aparta de la linea actual de lo que podemos ver en la pantalla, si bien he de decir

que también en los inicios de "El proyecto de la bruja de Blair", se vendió el bulo de que era real. Como he dicho antes si dejamos de lado las cuestiones de veracidad, la película se mueve bien entre la imagen real de las sesiones de la doctora Abigail Tyler , grabaciones de audio y cámaras policiales, conjugándolo a veces, incluso en pantalla compartida, con la representación real por parte de un buen reparto de actores secundarios de conocidas películas.

La linea argumental es solida y bien hilada en el decálogo mitológico-fantástico que rodea a los UFO's o OVNIs. Sin desvelar demasiado de la trama, en este film de entre todos los posibles visitantes relatados por los abducidos, visionarios y demás martingalas del género, esta vez le toca el turno a los visitantes de alcoba. Estos son los que mas terror despiertan , al menos en mi, al despertarte en medio de la noche con oscuros propósitos y muy malas intenciones.

Las escenas de sobresalto en las sesiones de hipnosis, son impactantes, siempre jugando al doble juego de realidad e interpretación, aunque a momentos se pierde el halo de realidad por las situaciones exageradas que se muestran , grabaciones demasiado explicitas o por el contrario cortadas o interferidas en los momentos cruciales. En estos momentos es cuando la mosca del falso documental, te ronda detrás de la oreja.

No he investigado si los hechos que se cuentan en la película son verdaderamente reales, pero aun siéndolo, no creo que las grabaciones que se muestran en la película lo sean.

Esta claro que la parte técnica de este film parece que va a pasar desapercibida, pero creo que tiene importancia el trabajo de adaptación, usando materiales técnicos, para hacer mas creíbles las grabaciones, tanto de la policía, como de las sesiones. A nivel interpretativo destacar el buen papel de los secundarios y como siempre a Milla, que siendo actriz fetiche para muchos directores, aquí desempeña bien su papel.

En definitiva, un buena película si te dejas atrapar por el ritmo frenético y realista de idea, llegando a ser terriblemente aterradora si crees en lo que ves, pero que tras meditarla, se deshincha rápidamente, siendo una nueva manipulación mercantilista para llenar un hueco aun por ocupar: el de los Falsos documentales de OVNIS.

Lo mejor: El juego de imagen real y la actuación de las mismas escenas que hacen los actores.

Lo peor: La exageración de los "ataques" de los hipnotizados que hace que se pierda veracidad.

SHERLOCK HOLMES

Buena Luna Criaturas.

Una vez mas incorporamos una nueva colaboradora de forma puntual, aunque esperamos que se vuelva regular con el paso del tiempo. Hoy Cris, nos da su opinión sobre la última adaptación de "Sherlock Holmes", ahí va:

SINOPSIS:

Adaptación del cómic de Lionel Wigram, que reinventaba los personajes de Arthur Conan Doyle, convirtiendo a Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) y al Doctor John Watson (Jude Law) en detectives con habilidades para el boxeo y el uso de la espada, respectivamente.

Recién salida del cine, tras ver "Sherlock Holmes", me quedo anonadada tras una decepción de película. Tras haberla visto, noto como Sir Arthur Connan Doyle llora amargamente desde su tumba, por la blasfemia que ha hecho el ex-marido de Madonna.

Muchas preguntas surgen en mi cabeza, desde la total ruptura del estereotipo de Holmes y del Dr. Watson, quienes han pasado de ser unos investigadores, a unos buscapeleas en sesión continua, eso si, con la mejor tecnología para los movimientos en escenas de explosiones y acción.

Holmes ha pasado de ser un cínico egocéntrico pensador, fumador de opio (aunque hay un libro en el que se insinúa que es cocaína, la que le ayuda a concentrarse), agarrado a un violín (acompañado de su famosa gabardina, pajarita, pipa y sombrero...los dibujos me han marcado), a ser el guapete de la clase, paranoico que no busca el porqué de las acciones sino la repercusión que tendrán en ellas; acompañado de una serie de secuencias que me recuerdan mucho más a otra película "El club de la Lucha".

Y lo más difícil: ¿dónde está el "elemental"?... hay cosas que no deberían de perderse.

Watson...el adorable Dr. Watson se ha convertido en otro guapete busca camorra.

Otra pregunta que me surge es sin duda qué libro ha leído el Sr. Ritchie de Connan Doyle y como ha llegado a esas conclusiones. A parte que no sé si se habrá documentado, pero las llamativas gafas de sol de Holmes y que la dama Adler lleve pantalones en esa época pues...algo me da que pensar.

Llamar la atención de la estupenda actuación a mi parecer Lord Blackwood, quién hace ser lo que parece; el demonio hecho en persona para salvaguardar al mundo y convertir a Inglaterra en la Mayor de las Glorias. Para que luego al final de la película llegue Holmes y nos descubra todos los secretos de esta diabolico ser. Lo único bueno...que el secreto se desvela al final.

No dejéis escapar a Rachel Adams, algun día dará que hablar esta actriz que encandiló con "El diario de Noah"

En términos más puntillosos, doy a destacar que el atrezzo es finamente usado una y otra vez. En tres ocasiones he llegado a ver como se usaban en distintos escenarios las mismas copas...pero eso es para aquellos que busquen el gazapo difícil.

Lamentándolo mucho...aparece Moriarty y con ello una posible continuación.

Esta es mi sincera opinión, la verdad es que no me ha gustado como puede leerse claramente. Que no tengo crítica constructiva, pero es que he salido pensando que hubiera sido más constructivo irme a ver "Shin Chan, Pocoyó y los melocotones del Chacho Migué", que aunque no esté en cartelera, pronto vendrán los de Cálico a colgarlo.

PD: Me gustaría una copia del ejemplar en el que se supone que se ha basado el director. Una botella de vodka negro y una caja de eso que se ha fumado y le ha dado a los productores para que esta peli saliese a la luz...a ver si así la entiendo; claro como soy China.

PD 2: En otra ocasión comentaremos cierto albúm de ropa en las que las modelos, vestidas sutilmente con trajes de noche llevan babuchas satinadas y trapos en la cabeza al más puro estilo Chony.

La casa muda. ¿Algo nuevo en el panorama cinematográfico de terror?

Buena Luna Criaturas.

Hace algún tiempo que supimos del proyecto que tenian entre manos unos amigos uruguayos relacionado con el cine de terror. Se trata de una pelicula muy especial rodada de forma particular y que pronto tendremos la posibilidad de ver.

SINOPSIS:

Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) se internan en una lejana casona de campo para reacondicionarla, ya que su dueño Néstor (Abel Tripaldi), muy pronto la pondrá a la venta. Ellos pasarán la noche allí, para comenzar los trabajos al día siguiente. Todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido que proviene de afuera y se intensifica en el piso superior de la casona. Wilson sube a inspeccionar mientras ella se queda sola abajo a la espera de su padre….

Basada en una historia real ocurrida en un pequeño poblado del Uruguay, “La casa muda” centra su relato en los últimos setenta y ocho minutos, segundo por segundo, en los cuales Laura intentará salir con vida de una casa que encierra un oscuro secreto.

Dirigida por Gustavo Hernández, fotografiada por Pedro Luque (director de fotografía del mega éxito mundial “Ataque de pánico” de Federico Álvarez) y producida por Gustavo Rojo, con un increíble costo total de U$S 6.000, “La casa muda” se interna en el terror psicológico tan poco explorado en la región, contando una escalofriante historia en primer plano y con características que la hacen única en el mercado audiovisual mundial, ya que fue filmada en su totalidad con una SLR digital, más concretamente con la cámara Canon EOS 5D Mark II, lo que hace que “La casa muda” se convierta en el primer film latinoamericano, y el segundo film en el mundo en grabarse con una cámara de fotos. A su vez, la historia está narrada en un único plano secuencia de 78 minutos, sin cortes. Lo que la convierte en la primera película de terror en el mundo en ser realizada con este particular lenguaje narrativo.

“Plano secuencia” en términos cinematográficos se denomina a la secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación, generando en el espectador la sensación real de compartir las vivencias junto al protagonista.

MIEDO REAL EN TIEMPO REAL, esa es la propuesta de “La casa muda”, película que no pasara desapercibida para todo aquel que se atreva a vivir esta diferente y perturbadora experiencia cinematográfica.

A la espera de mas datos y del visionado completo del film os dejamos con un adelanto en forma de trailer.

UNA ESCAPADA PERFECTA.

Buena Luna Criaturas.

Volviendo al ritmo habitual de post's y de estrenos de cine del género que aquí tratamos, hoy vamos a comentar "Una escapada perfecta" del director David Twohy, que se estrena hoy mismo en las salas de España.

SINOPSIS: Cliff (STEVE ZAHN) y Cydney (MILLA JOVOVICH), son una joven pareja aventurera que está pasando su luna de miel en una de las más maravillosas y remotas playas de Hawai. Creen haber encontrado el paraíso en sus tierras salvajes y senderos solitarios, hasta que se encuentran con un asustado grupo de excursionistas que hablan sobre el horrible asesinato de unos recién casados en las islas, y comienzan a preguntarse si quizás deberían volverse.

Indecisos sobre qué hacer, Cliff y Cydney se unen a otras dos parejas, Nick (TIMOTHY OLYPHANT) y Gina (KIELE SANCHEZ) y Kale (CHRIS HEMSWORTH) y Cleo (MARLEY SHELTON), y es cuando las cosas comienzan a ir terroríficamente de mal a peor. Lejos de la civilización o de poder ser rescatados, cada uno de ellos empieza a sentirse amenazado y ya no saben en quien confiar. El paraíso se convierte en un infierno terrenal donde da comienzo una batalla brutal por la supervivencia.

Me parece muy extraño lo que esta pasando esta semana con los estrenos de cine. Al igual que ha pasado con "Hierro", una extraordinaria película, "Una escapada perfecta" esta pasando completamente desapercibida en cuanto a publicidad se refiere y en consecuencia a la hora de recaudar también pasará lo mismo. Con una pareja de actores bien conocidos como Steve Zhan y Milla Jovovich (con la tirada entre el público masculino que sabemos que tiene) y con el currículo cinematográfico del director David Twohy de las que destaca la mítica, para algunos, "Pitch Black", me resulta extraño que no se les de mas bombo. Debe ser por la crisis o por ser la quincena después de las fiestas navideñas, donde los trabajos aun andan algo a medio gas.

Pero dejando de lado disyuntivas mediáticas y centrándonos en el film propiamente dicho, he de reconocer que no me llamaba demasiado la atención. Una pareja de enamorados, asesinatos, unas islas paradisíacas... nos suenan demasiados estos argumentos como para sorprendernos. La presencia de Milla ayudaba a hacer mas tragadero el visionado, pero recordando los fiascos en los que ha participado, un sudor frío perlaba mi frente en la butaca de la sala de proyecciones.

A nivel técnico es correcta, con una buena fotografía, buenos travellings con unos parajes naturales impresionantes y una interpretación buena, dentro de un guión mediocre y desgastado. Es cierto que durante la primera hora todo se sucede entre el sopor y la incredulidad de un guión tan plano y previsible, donde los consabidos giros argumentales se huelen a horas vista, pero todo ello da un pequeño vuelco hacia la ultima media hora o veinte minutos.

Aunque todos los que hemos visto la película sabíamos que en algún momento habría un giro argumental definitivo, lo realmente sorprendente no es el giro en sí, sino la manera de llevarlo y la interpretación de los personajes. Con unos delirantes veinte minutos finales en los que se desvela todo el percal, pasamos de una plana película de asesinos en serie, a un giro casi cómico en el que los apuñalamientos, disparos, histrionismos personales y palizas, rayan el estilo absurdo de la mítica "Bad Taste" de Peter Jackson. Lo verdaderamente terrible es que lo único que merece la pena son estos últimos minutos, siendo el resto del metraje un aburrimiento soberano.



Lo mejor: La escena del disparo en la cabeza y como el personaje lo soluciona como el protagonista de "Mal Gusto".

Lo peor: Un guión aburrido donde no hay ni chicha, ni limoná.

HIERRO.

Buena Luna Criaturas.

Después de unos cuantos días de absentismo por mi parte, cediendo protagonismo a la sección escrita, volvemos a la carga con el cine que nos viene de nuevo en este año 2010 que empezamos. Esta semana se estrena "Hierro", una de las películas que mas gratamente me sorprendieron el año pasado en Sitges y que aprovechando que ya la he podido ver, os comento tal y como lo hice tras verla en el Festival.

"Después de ver en la alfombra roja de entrada al Auditori a una espléndida, aunque delgada en extremo Elena Anaya, acompañada por el director Gabe Ibáñez y el guionista Javier Gullón, hemos podido disfrutar de dos al precio de uno.

Para empezar hemos podido ver "Alma", un cortometraje incluido en la sección Anima't Curts y que se estrenó en la inauguración. Siendo el primer cortometraje de Rodrigo Blaas, animador en Pixar, es un cuento siniestro que reúne entre su equipo creativo y técnico a un auténtico dream team de la animación contemporánea y eso se nota tanto en el guión, como en la imagen, genial aperitivo para lo que se avecinaba.

Para continuar y después de una presentación del trío que ha desfilado por la alfombra roja, nos adentramos en "Hierro", el primer largo del director Gabe Ibáñez, que es conocido por su trabajo como creador de efectos especiales, colaborando en películas como "El día de la bestia (95)" de Alex de la Iglesia.

SINOPSIS: En plenas vacaciones en El Hierro, Diego, un niño de cinco años, desaparece. Seis meses después, su madre, María, recibe una llamada: han encontrado el cuerpo de su hijo y debe regresar a la isla. En el paisaje rocoso canario, María comenzará a sospechar que Diego sigue vivo.

Lo primero que impacta de la película es la suavidad de imagen, una fotografía personal muy bien cuidada, que unido a unas localizaciones extraordinarias y un casi perfecto trabajo de cámara, hacen que la potencia visual y técnica de "Hierro" sea terriblemente especial y encantadoramente bella.

Con una tensión suavemente creciente, aunque no carente de intensidad, se nos lleva de la mano de la madre de Diego, una extraordinaria Elena Anaya, que sabe transmitir a la perfección sin aspavientos desmedidos, una desesperación brillante por la desaparición de su hijo. Todo ello aderezado por unos compañeros de reparto que cumplen a la perfección con su papel oscurantista y que te llevan de un supuesto final a otro a lo largo de toda la película.

Un guión bien hilado y extrañamente coherente para lo que estamos acostumbrados, hace destacar a un equipo que ha tenido la experiencia de participar en los últimos éxitos del cine de terror español. En momentos terriblemente tensa y con una dirección genial que, a mi entender, hacen descubrir a nuestro propio M. Night Shyamalan, encarando en un humilde Gabe Ibañez que nada tiene que envidiar al famoso director de Hollywood.

Como colofón y para tenerla que ver otro par de veces, el equipo ha incluido en los decorados de las escenas muchos guiños animados, que pasan prácticamente desapercibidos, pero que crean una sensación de desasosiego tremendamente agradable, dando un punto muy original y trabajado a una parte de la película que, si bien puede pasar inadvertida, suma en la atmósfera de tensión del gran thriller que han creado.

Estéticamente bella, perfectamente interpretada, técnicamente sobresaliente, parece sin duda la película española del año."

Espero que podais disfrutar de esta buena película, de la que poca promoción se esta haciendo y que mucho me temo que pasará tristemente desapercibida por nuestras salas de cine.


Lo mejor: El final y la interpretación de la protagonista.

Lo peor: O menos bueno, la manía de los directores de utilizar un flash back educativo para hacernos entender sus finales.

Encima y debajo, por James Sturm

ENCIMA Y DEBAJO
Dos historias de la frontera americana
Por James Sturm
Ed. La cúpula – 2007
ISBN: 978-84-7833-796-5

Encima y debajo nos convierte en espectadores de dos relatos sórdidos y oscuros, en los que el miedo forma parte del paisaje de la historia de los Estados Unidos.

El Renacimiento, se situa en Cane Ridge, Kentucky, 1801. Donde miles de peregrinos miran hacia el cielo para encontrar la salvación.

La segunda historia, A cientos de pies bajo la luz del día, ocurre unos años más tarde. En el Barranco de Solomon, Idaho, 1886. Donde encontramos a los últimos habitantes de una ciudad minera que continúan cavando hacia abajo.

En una tierra sin límites, los tentáculos de las sombras se extienden sin restricciones azotando con furia los cuerpos exhaustos de los colonos.

Encima y debajo nos habla de ataúdes, de encuentros sectarios, de fervor religioso irracional, de chinos explotados, de minas yermas, de fortunas enterradas y de niños muertos. El cielo y el infierno. La fe y el sueño de encontrar un tesoro bajo tierra. Ese Dios cruel y esas minas convertidas en averno. Encima y debajo.

Sturm nos muestra a personas conviviendo con la desesperanza y agarrándose a la fe. Nos enseña las vidas perdidas, los hombres cegados por la fiebre del oro, los desheredados buscando una oportunidad. El lado oscuro de un tiempo y un lugar, que constituye parte de la historia estadounidense.

Una completa nota biográfica nos explica quien es este profesor que retrata los pies de barro de la gran potencia.

“James Sturm, neoyorquino del 65, es uno de los autores más inclasificables e inquietos del panorama americano, además de uno de los más comprometidos con la enseñanza del medio en academias y universidades.”

“Su título más conocido hasta la fecha es The Golem’s Mighty Swing, punto final a Encima y debajo que la revista Time escogió como mejor novela gráfica del año 2000.”

Los relatos de Encima y Debajo van acompañados de fantásticos antecedentes históricos, testimonios y fuentes bibliográficas, que aportan luz a los acontecimientos narrados. Asimismo, nos dejan una pequeña joya, la imagen de un dibujo reproducido de Frank Marryat que representa el funeral de un minero, en el cual descubrieron oro en su tumba.

“El predicador se detuvo y preguntó inquisitivamente:

‘Chicos, ¿qué es esto?’, echó un vistazo al suelo, y gritó,

¡Oro! ¡Oro! ¡Y la más rica de los tipos de excavaciones!

¡La congregación se disuelve!

El minero muerto fue enterrado en otro lugar y la comitiva fúnebre, con el pastor a la cabeza, no perdió el tiempo y se puso a explorar y cercar con estacas la nueva excavación!”

Una gran lección sobre esa época lúgubre que a menudo se elude en las clases, porque la realidad histórica da mucho, mucho miedo.